Pressetext zur Ausstellung in der Galerie Britta von Rettberg, München

 – Marion von Schabrowsky, Kunsthistorikerin – 

Kontemplation, Konzept und reine Malerei – die Werke von Gabriele Angel Leinenbach ziehen durch ihre Schönheit den Blick des Betrachters auf sich und durch ihre Tiefe halten sie ihn, um das ‚Sein‘ als das zu verinnerlichen, was es ist.

Gabriele Angel Leinenbachs Arbeiten sind eine Hommage an die pure Schönheit und Erhabenheit der Natur –  in all ihren flüchtigen Phänomenen als auch konkreten Erscheinungen. Letztere schlagen sich in einem Motiv nieder, dass im Schaffen der Künstlerin immer wiederkehrt.

Die Künstlerin wählt berühmte Berge wie den Mount Everest, das Matterhorn oder den Nuptse im  Himalaya Gebirge, die in ihren gewaltigen Ausmaßen zum kraftvollen Symbol der in der Welt wirkenden Naturgewalten werden.

Gabriele Angel Leinenbach greift damit ein Bildmotiv auf, das eine ganz besondere Bedeutung in der menschlichen Kultur und der gesamten Kunstgeschichte spielt: Als uraltes Symbol bedeutet der Berg die Nähe zu himmlischen Gefilden. So mancher Berg galt sogar als direkter Heim- und Wirkstätte der Götter: Auf dem Berg Sinai überreichte Gott Moses die Tafel der 10 Gebote, der Himalaya ist Sitz von Shiva, Zeus thronte auf dem Olymp während sich Apollo – der Gott des Lichts und der Künste – sich im Kreis seiner neun Musen auf dem Parnass niederließ.

Von den Gipfel der Berge reiste Gabriele Angel Leinenbach malerisch noch höheren und weiteren Sphären entgegen: Dem Kosmos.

Bildnerisch hat sich der Ausflug in den Weltraum in der Serie der Space-Bilder niedergeschlagen, mit der die Unvorstellbarkeit der weiten Dimension und die Fülle von Existenzformen zum Ausdruck gebracht wird, die fern jeglicher Vorstellungen liegen. Fotografien von Nordlichter und der Milchstraße waren Inspirationsquelle. In den Bildern wird das Auge des Betrachters in diese endlosen Weiten gezogen, wo man sich im Spannungsfeld von Zeit und Raum bewegt.

Mit den Berg- und Space-Bildern erlaubt sich Gabriele Angel Leinenbach, im Schwebezustand zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit zu gleiten. Das eine ist für sie nicht ohne das andere zu denken, da dieses Nebeneinander der Pole das Wesenshafte der Seins- und Naturzustände reflektiert – Existenz, Kosmos und Natur sind von entgegengesetzten und doch verschränkten Prinzipien geprägt: Konkretes und Formloses, Kristallisation und Verflüchtigung, Sichtbares und Immaterielles, Ruhe und Dynamik, Transparenz und Opaques und somit Abstraktion und Figuration.

Im Schaffensprozess bewegt sich Gabriele Angel Leinenbach nicht nur frei zwischen den malerischen Ausdrucksmöglichkeiten, sondern arbeitet gleichzeitig an unterschiedlichen Werkserien, um Bildideen im Fluss halten zu können.

Ein beständiges Element tritt allerdings bei vielen Bildserien in den Vordergrund: Die Verwendung von Gold. Durch alle Jahrtausende hindurch hat kaum ein Metall die Menschheit aller Kulturen so in den Bann gezogen wie das Gold. Viele Werke, die Berühmtheit erlangt hatten erstrahlen in Gold:

Denken wir nur an die goldene Toten-Maske des Tutanchamun auf der einen Seite oder Gustav Klimts Meisterwerk Der Kuss auf der anderen Seite. In beiden Werken spielt das Gold eine ehrerbietenden Rolle: Im ersten Fall ist es die Stellung des jungen verstorbenen Königs und im zweiten Fall ist des die Liebe zwischen zwei Menschen, die Klimt in Gold taucht.

Denken wir an dieser Stelle nochmals an Goethe: „…und golden schön…“. 

Und hier schließt sich der Kreis: Von der Unendlichkeit des Raumes kommen wir zurück zu den Berggipfeln und Johann Wolfgang von Goethe, der einst sinnend meinte: „Berge sind stille Meister und machen schweigsame Schüler“. Er meint damit das Gefühl des Erhabenen, das den Menschen durchdringt, wenn er sich im Angesicht der sublimen Kraft und Ruhe der Natur wiederfindet.

Auf dem Gipfel öffnet sich der Blick und weitet sich der Horizont. In der Kontemplation dieser Größe wird der Mensch als Individuum seiner Nichtigkeit gewahr. Aber er erkennt auch, ein Teil dieser Naturkräfte zu sein. Sie spiegelt sich in ihm. Für einen Moment wird der Mensch durchfegt von Gefühl der inneren Größe und der enormen Freiheit, die einem – so Schopenhauer – los löst vom Wollen und der Ruhelosigkeit.

 

 

Press release / Catalogue, Frauenmuseum Bonn

- Marija Herceg, art historian -

Gabriele Angel Leinenbach’s series of works in gold bring together the charm and appeal of the synthesis of various materials and techniques: In addition to acrylic paint, she also makes use of imitation gold leaf for her pictorial worlds – sometimes applied with geometric precision, sometimes creating an abstract element of style. By doing so, her works do not just give the impression that they have been painted but appear “constructed” as well. G. Angel does not regard the support base as a simple tableau; instead, she creates new space with her gold leaf applications, thus broadening the understanding of painting.

The reflection of the highly polished surface subjects her works to constant change. She draws space, movement , light and shadow into the interior of the painting.

 

 

 

- Marija Herceg, art historian -

On a deep-blue base – where the blue even suddenly turns into black in some places – the skyline of Istanbul towers above the ground in the painting “Gold Rush Istanbul”. The pulse of life rises like an ECG curve, facing the darkness of the night. It shimmers, there is movement – the city –  one perpetual strip of lights.

Gabriele Angel Leinenbach’s series of cityscapes show metropolises such as Sydney, New York and New York’s Manhattan, Dresden or Tokyo. The artist also applies herself to urban “icons”, placing the Colosseum of Rome or the Eiffel Tower of Paris in the painting in a detached and fragmented manner. The cityscapes are brought to life by contrasts: She lays sheets of imitation gold side by side with geometric precision onto the monochromatic, rich acrylic surface of the background, which emulate the clear-cut architectural shapes and elements. However, her paintings do not remain static: They change incessantly, take advantage of the movements from outside as their accomplices, transport light and shadow into the interior of the paintings. The cityscapes do not look as if they have been painted but rather “constructed”. The imposing silhouettes of urban architecture are shaped just like the city erected by man without the sophisticated machinery available today.  

Nature, the unity of night and sky, is disunited in “Gold Rush Istanbul”. The fact that Gabriele Angel Leinenbach “builds” her cityscape, thereby also affording them a sculptural dimension, is also epitomised in her choice of media. Metal has been an important material for mankind since primeval times and describes the development of the human race – simply pause for a moment and reflect on the names given to the eras – Bronze Age or Iron Age.

The high lustre finish of the imitation gold leaf creates a monochromatic surface, which constantly changes due to reflection. Nevertheless, the square-shaped grid structure of the individual sheets of imitation gold leaf remain visible in all of her works, bringing the city together into a grid and demonstrating the sharp focus of the artist on the distinct geometry of the square, which is unavoidably reminiscent of Yves Klein’s monochromatic gold tableaux from real gold. The encounter with Klein’s work embodies, as Leinenbach herself states, the attention to colour and surface: The individual is no longer portrayed in the style of her earlier works but is merely depicted in a different manner by the reflection on the surface of the painting. The viewer is “reflected” in the pictures. In this way, the city – as a symbol of modern world – acts as a mirror to the individual whose features can be faintly made out in the reflection. The unostentatious imitation gold leaf, which emulates the preciousness of gold, symbolises William Shakespeare’s “Not all that glitters is gold”, says the artist with regard to her choice of materials. In the middle of the 20th century, the monochromatic gold tableaux of Yves Klein came about as a critique of the capitalist organisation of the art market though the medium of painting.

The contrived beauty of the facades is demonstrated in the artist’s works: The city gleams, presents itself as a golden unity, distorting reality.

The surrounding space incorporated by Angel Leinenbach subjects the works to constant change. The composition of the distinct lines, areas and shapes braces itself against this change, yet the portrayal of humans per se has been omitted. Man merely appears as the erector of the cities. The focus is on the product, not on the builder himself. The human factor is only made vaguely perceptible by means of the diffuse reflection of the surface.

The artist does not formally overload her paintings. The compositions are stripped down. However, the artist creates new shapes over and over again by means of this mirroring, which she does not force into the paintings in the form of representational art. The dynamic surface of the material alone enables her to visualise constant change.

Her series is supplemented by her landscapes such as “Gold Rush of the Kaiser Mountains” The painting draws on the same materials, but this time does not depict a city but the striking Tirolean mountain range. Here, nature is no longer disunited by a skyline. Instead, the mountain rises up to meet the sky in the large format against an earthy brown background. Once again, the artist has applied imitation gold leaf in order to enhance the shapes by reflection. This time, however, the areas are not geometrically accurate, but emulate the geological and tectonic forms of the surface of the earth, which assert themselves against the oceans. Light, shadow, movement predominantly serve to enhance the natural shape. Man is not the “engineer” but rather takes on a subordinate role to nature – as the greatest creation. “Human-beings tend to have an over-inflated sense of self-worth”, remarks the artist. In the case of “Gold Rush of the Kaiser Mountains”, however, nature is in charge.